I’m excited to announce a new book in collaboration with Scarlet Imprint:
It’s scheduled to come out later this year.

Please scroll down for German and French translations.

Some basic reflections on the images included in this book.

Art is always autobiographical in one way or another. My subjective perspective has influenced all my work, from the intimate explorations of border zones in a security-obsessed world to the immersive video installations that juxtaposed postmodern urbanity with the forces of nature. Yet, never before has my work been so rooted in personal experience as in the following images, which I present under the title Anarch. It is impossible to talk about them without elaborating on how they came into being and what state I was in when I created them. What you will discover in this book is the result of three years of work aimed at connecting with the forest of the Ardennes as a living theatre, a theatre of cruelty, to use Artaud’s words. To get straight to the point: for some time now, I have been working from the perspective of someone who lives with constant pain. I have to find ways to deal with it and my focus is not on optimistic healing practices. We have to come to terms with the fact that not everything can be fixed. This is true on both an individual and a universal level. Our cultural narratives fail us when they treat pain and suffering only as phases that must be overcome.

If I can transform immaterial pain experiences into powerful objects and images that help me mirror human and planetary woundings, then I will have achieved my goal. It is important for me to point out that personal distress does not preclude a magical approach to life. Quite the opposite. The magic I am thinking of uses the satanic intensity of pain to direct the will to align with the realities of nature. Practices that use vulnerability as a means to conjure strength from deeply uncomfortable and unwanted conditions are not exactly welcome these days. Contemporary society reduces pain to a medical problem, and our anthropocentric perspective prevents us from seeing that all beings suffer and struggle to survive in the world. To say that pain is natural and universal, or worse, to listen to it and participate in it creatively, is one of the last taboos in occidental culture. It may have to do with the fact that the pretensions of human exceptionalism can no longer be sustained when we recognise that all life forms are interconnected in this way.

My work has always revolved around two poles: to make visible the connections between human and non-human agencies, and to develop sorcerous strategies that offer escapes to institutional appropriation and domestication. By distancing myself from urban centres of control and renouncing the lure of public recognition I have acquired new and effective ways of living and acting in the world. This is what makes sorcery so relevant, it projects me into an anarchic beyond where nothing is fixed. However, we should be careful not to fall for illusions of redemption. Sorcery will not save us, but it allows us to take matters into our own hands. My practice does not aim for an ideal future, but for creative survival in a chaotic world full of unease. I want my art to be like life itself: imperfect, messy, dirty and full of ambiguities and underlying violence. The questions that arise from such a position is whether there is any legitimate hope at all of not submitting to the art system as long as we are entangled in it. And whether creative resistance does not rather grow out of dark and shunned practices that thrive outside the circuits of visibility.

Just about everything I do today is site-specific and has the forest where I live as its centre. There is an old wooden shed here where I meditate every night and ritually engage with the surrounding woods. I have felt the black magic potential of this place since the first moment I saw it. A tree that fell during one of the many storms that have raged here in recent years and is still leaning dangerously against the shack. Inside was an old power generator that the previous owner had placed there to keep it as far away from the house as possible because these machines were so damn noisy. Everything reeked of leaking fuel oil and the forest was littered with rusting industrial debris. I just loved this piece of wounded land from the beginning. Drawing strength from the contradiction of creation and destruction has always appealed to me and my appreciation for it goes way back. The landscapes of my youth were shaped by iron mining and industrial decline. Punk flyers and the posters of the Rote Armee Fraktion were among my earliest aesthetic influences. When I was in my late teens, I was torn between radical counter politics and the predatory animism of Castaneda’s early books. Quite a wild mixture really, but exciting youthful days for sure.

Over the last few years, I have transformed the shed into a sanctuary where I can become what I create and create what I have become. Some of the rites I perform there are inspired by the shamanic practice of transforming the suffering body into a sacrificial meal for demons, but most of the time I am engaged in activating the sculptural assemblages I build from materials I find in the forest. What goes on inside the figures is at least as important as their outward appearance. I work a lot with bark beetle larvae, which infest and kill spruce trees en masse in our region, and last year I formed a vessel out of malleable fabric and filled it with spruce pollen, which covered the ground with a yellow carpet for weeks. This is something that happens naturally every three or four years, but the trees also release it when they are exposed to drought stress or when they sense they are dying. There’s a name for it in German: Angstblüte, which translates as fear blossom. I also use digitalis, foxglove as it is called in English, along with soil from anthills and other substances that are better kept secret. Foxglove is very poisonous and can be fatal even in small quantities if ingested, but as always with pharmakonic plants, there is a strong dialectic involved. The figures draw their magical power from the organic materials that work inside them, but also from the natural forces that act on them from outside. Eventually they will release it back into the earth as they fall apart and decompose. Even after they have merged with the forest, the alchemical sorcery that animates these objects continues to play an active role in the cycle of decay and regeneration.

When you work in the forest all year round, you can’t help but sometimes be confronted with the violent destruction of life. This can either be due to natural causes or human transgressions. In our area, a lot revolves around hunting and we often hear gunshots, even at night. I found two wild boar carcasses that poachers had left in the forest to rot after cutting out what they thought was the best meat. For several days I saw buzzards feeding on them and I used their droppings to paint the white parts of the artwork. The main goal was not to please the eye, of course, but to absorb the magical power. The waste product left over from the conversion of energy from one powerful organism to another seemed to me to be particularly suitable for conjuring up transmutations. There was a lot of activity in the forest before the wild animals carried the body parts away and after a week, almost all traces of the kill had disappeared. The whole thing left me with the uncanny feeling of having come dangerously close to the forces of death, but such encounters always alternate with the emergence of new life in nature. At some point, a comprehensive sense of transience crystallises from the sum of these experiences, which I try to condense into visual form.

Because of my infirmities, I can’t move far from the place where I live, and when you stay in one place for a long time, a strange symbiosis sets in. The forest is increasingly taking possession of me, in more ways than one. I keep dreaming about it and the animals that inhabit it. That’s why they play such a big role in the book. Wild animals are sacred! No matter what type or size they are, they give us a glimpse into the true nature and meaning of life. I observe the activity of buzzards and red kites almost every day, and often at night I see spiders weaving their threads in such a way that their webs become an integral part of the installation that stretches across the entire shed. I take as much time as possible to study the lives they lead here in the dark and meditate on the patience they have in what they do. It gives me comfort to see that not all creatures are as restless as us humans. Sometimes I collect their silk to wrap around the figures and bind them, or to create sticky stellar glyphs. I have always been fascinated by the relationship between spiders and the universe. I am thinking here of Bataille’s article on the formless, in which he compares the universe to a spider and spit, but also of the magical relationship of the spider to the moon and lunar dew. It is interesting to note that the spider, like the moon, is associated with madness in French culture. And in Victor Hugo’s writings there are allusions linking the spider to the black sun. Fascinating material to draw inspiration from.

The black sun is a symbol of initiation that runs like a thread through the book. It gives form to that which defies understanding and can be related to the secret inner life of matter, but also to scientific mysteries of the universe such as the Great Attractor, star-devouring black holes, dark energy and so on. But of course, purely mythological or psychological interpretations are also possible. In any case, the black sun fires the imagination through the fusion of life and death principles. The book lives from contagion, one image infecting another. I invite the viewer to take plenty of time to explore the interaction of analogies and associations. There is a certain dream logic at play and I hope there is a musical quality to the work as well. If you look long enough and engage with it creatively, the images begin to act like notes in a composition. You start to hear the music when you bridge the gaps between the individual notes.

Gast Bouschet, 30th of March 2021.

A small selection of photos from the book:

Einige grundsätzliche Überlegungen zu den Bildern, die in diesem Buch enthalten sind.

Kunst ist immer auf die eine oder andere Weise autobiografisch. Meine subjektive Perspektive hat alle meine Arbeiten beeinflusst, von den intimen Erkundungen von Grenzzonen in einer sicherheitsbesessenen Welt bis zu den immersiven Videoinstallationen, die die postmoderne Urbanität den Kräften der Natur gegenüberstellten. Doch noch nie war meine Arbeit so sehr in persönlichen Erfahrungen verwurzelt wie in den folgenden Bildern, die ich unter dem Titel Anarch präsentiere. Es ist unmöglich, über sie zu sprechen, ohne darauf einzugehen, wie sie entstanden sind und in welchem Zustand ich mich befand, als ich sie schuf. Was Sie in diesem Buch entdecken werden, ist das Ergebnis einer dreijährigen Arbeit, die darauf abzielt, sich mit dem Wald der Ardennen als einem lebendigen Theater zu verbinden, einem Theater der Grausamkeit, um Artauds Worte zu verwenden. Um es gleich auf den Punkt zu bringen: Seit einiger Zeit arbeite ich aus der Perspektive von jemandem, der mit ständigen Schmerzen lebt. Ich muss Wege finden, damit umzugehen, und mein Fokus liegt nicht auf optimistischen Heilpraktiken. Wir müssen uns mit der Tatsache abfinden, dass nicht alles repariert werden kann. Das gilt sowohl auf einer individuellen als auch auf einer universellen Ebene. Unsere kulturellen Narrative lassen uns im Stich, wenn sie Schmerz und Leiden nur als Phasen behandeln, die überwunden werden müssen.

Wenn ich immaterielle Schmerzerfahrungen in kraftvolle Objekte und Bilder verwandeln kann, die mir helfen, menschliche und planetarische Verwundungen zu spiegeln, dann habe ich mein Ziel erreicht. Es ist mir wichtig, darauf hinzuweisen, dass persönliches Leid einen magischen Zugang zum Leben nicht ausschließt. Ganz im Gegenteil. Die Magie, an die ich denke, nutzt die satanische Intensität des Schmerzes, um den Willen zu lenken, sich mit den Realitäten der Natur in Einklang zu bringen. Praktiken, die Verletzlichkeit als Mittel nutzen, um Kraft aus zutiefst unbequemen und unerwünschten Zuständen zu beschwören, sind heutzutage nicht gerade willkommen. Die moderne Gesellschaft reduziert Schmerz auf ein medizinisches Problem, und unsere anthropozentrische Perspektive hindert uns daran zu sehen, dass alle Wesen leiden und um ihr Überleben in der Welt kämpfen. Zu sagen, dass Schmerz natürlich und universell ist, oder noch schlimmer, ihm zuzuhören und kreativ an ihm teilzuhaben, ist eines der letzten Tabus in der abendländischen Kultur. Es mag damit zu tun haben, dass die Anmaßungen des menschlichen Exzeptionalismus nicht mehr aufrechterhalten werden können, wenn wir erkennen, dass alle Lebensformen auf diese Weise miteinander verbunden sind.

Meine Arbeit hat sich immer um zwei Pole gedreht. Der eine ist, die Verbindungen zwischen menschlichen und nicht-menschlichen Agenturen sichtbar zu machen, der andere ist, hexerische Strategien zu entwickeln, die mir helfen, der institutionellen Aneignung und Domestizierung zu entkommen. Einer der effektivsten Wege, dies zu tun, ist, mich von den städtischen Kontrollzentren zu distanzieren und den Verlockungen der öffentlichen Anerkennung zu entsagen, um neue Wege des Lebens und Handelns in der Welt zu finden. Das ist es, was die Hexerei so relevant macht, sie projiziert mich in ein anarchisches Jenseits, in dem nichts festgelegt ist. Allerdings sollten wir uns davor hüten, auf Illusionen der Erlösung hereinzufallen. Die Hexerei wird uns nicht retten, aber sie erlaubt uns, die Dinge selbst in die Hand zu nehmen. Meine Praxis zielt nicht auf eine ideale Zukunft, sondern auf das kreative Überleben in einer chaotischen Welt voller Unruhe. Ich möchte, dass meine Kunst wie das Leben selbst ist: unvollkommen, unordentlich, schmutzig und voller Zweideutigkeiten und unterschwelliger Gewalt. Die Frage, die sich aus einer solchen Position ergibt, ist, ob es überhaupt eine legitime Hoffnung gibt, sich dem Kunstsystem nicht zu unterwerfen, solange wir in ihm verstrickt sind. Und ob kreativer Widerstand nicht vielmehr aus dunklen und gemiedenen Praktiken erwächst, die außerhalb der Kreisläufe der Sichtbarkeit gedeihen.

So ziemlich alles, was ich heute mache, ist ortsspezifisch und hat den Wald, in dem ich lebe, als Zentrum. Dort gibt es einen alten Holzschuppen, in dem ich jede Nacht meditiere und mich rituell mit dem umgebenden Wald auseinandersetze. Ich spürte das schwarzmagische Potenzial dieses Ortes von dem Moment an, als ich ihn sah. Ein Baum war bei einem der vielen Stürme, die hier in den letzten Jahren gewütet haben, umgestürzt und lehnt immer noch gefährlich an der Hütte. Im Inneren befand sich ein alter Stromgenerator, den der Vorbesitzer dort platziert hatte, um ihn so weit wie möglich vom Haus entfernt zu halten, weil diese Maschinen so verdammt laut waren. Alles stank nach auslaufendem Heizöl, und der Wald war übersät mit rostenden Industrieabfällen. Ich habe dieses Stück verwundetes Land von Anfang an einfach geliebt. Aus dem Widerspruch von Schöpfung und Zerstörung Kraft zu schöpfen, hat mich schon immer gereizt, und meine Wertschätzung dafür reicht weit zurück. Die Landschaften meiner Jugend waren geprägt vom Eisenbergbau und dem industriellen Niedergang. Punk-Flyer und die Plakate der Rote Armee Fraktion gehörten zu meinen frühesten ästhetischen Einflüssen. Als ich in meinen späten Teenagerjahren war, war ich hin- und hergerissen zwischen radikaler Gegenpolitik und dem räuberischen Animismus von Castanedas frühen Büchern. Eine ziemlich wilde Mischung, aber mit Sicherheit eine aufregende Jugendzeit.

In den letzten Jahren habe ich den Schuppen in ein Refugium verwandelt, in dem ich werden kann, was ich erschaffe, und erschaffen kann, was ich geworden bin. Einige der Riten, die ich dort durchführe, sind von der schamanischen Praxis inspiriert, den leidenden Körper in ein Opfermahl für Dämonen zu verwandeln, aber die meiste Zeit bin ich damit beschäftigt, die skulpturalen Assemblagen zu aktivieren, die ich aus Materialien mache, die ich im Wald finde. Was im Inneren der Figuren vor sich geht, ist mindestens genauso wichtig wie ihre äußere Erscheinung. Ich arbeite viel mit Borkenkäferlarven, die in unserer Region massenhaft Fichten befallen und abtöten, und habe letztes Jahr habe ich weiche Skulpturen mit Fichtenpollen gefüllt, die den Boden wochenlang mit einem gelben Teppich überzogen. Das ist etwas, das alle drei oder vier Jahre auf natürliche Weise passiert, aber die Bäume setzen es auch frei, wenn sie Trockenstress ausgesetzt sind oder wenn sie spüren, dass sie absterben. Im Deutschen gibt es dafür einen Namen: Angstblüte. Ich verwende auch Digitalis, Fingerhut, wie er auf Deutsch heißt, zusammen mit Erde aus Ameisenhaufen und anderen Substanzen, die besser geheim gehalten werden. Der Fingerhut ist sehr giftig und kann schon in kleinen Mengen tödlich sein, wenn er eingenommen wird, aber wie immer bei pharmakonischen Pflanzen gibt es eine starke Dialektik. Die Figuren beziehen ihre magische Kraft aus den organischen Materialien, die in ihnen wirken, aber auch aus den Naturkräften, die von außen auf sie einwirken. Irgendwann geben sie diese wieder an die Erde ab, wenn sie auseinanderfallen und sich zersetzen. Selbst nachdem sie mit dem Wald verschmolzen sind, spielt die alchemistische Hexerei, die diese Objekte belebt, weiterhin eine aktive Rolle im Kreislauf von Verfall und Regeneration.

Wenn man das ganze Jahr über im Wald arbeitet, kommt man nicht umhin, manchmal mit der gewaltsamen Zerstörung von Leben konfrontiert zu werden. Dies kann entweder durch natürliche Ursachen oder durch menschliche Übertretungen verursacht werden. In unserer Gegend dreht sich vieles um die Jagd und wir hören oft Schüsse, auch nachts. Ich fand zwei Wildschweinkadaver, die Wilderer im Wald zum Verrotten zurückgelassen hatten, nachdem sie das ihrer Meinung nach beste Fleisch herausgeschnitten hatten. Mehrere Tage lang sah ich Bussarde, die sich von ihnen ernährten, und ich benutzte ihren Kot, um die weißen Teile der Figuren zu bemalen. Das Hauptziel war natürlich nicht, Kunst zu machen, die das Auge erfreut, sondern magische Kraft zu absorbieren. Das Abfallprodukt, das bei der Energieumwandlung von einem mächtigen Organismus in einen anderen übrig bleibt, schien mir besonders geeignet, um Transmutationen herbeizuzaubern. Es war viel los im Wald, bevor die wilden Tiere die Körperteile wegtrugen und nach einer Woche waren fast alle Spuren der Tötung verschwunden. Das Ganze hinterließ bei mir das unheimliche Gefühl, den Kräften des Todes gefährlich nahe gekommen zu sein, aber solche Begegnungen wechseln sich immer mit dem Entstehen neuen Lebens in der Natur ab. Irgendwann kristallisiert sich aus der Summe dieser Erfahrungen ein umfassendes Gefühl der Vergänglichkeit heraus, das ich versuche, in eine visuelle Form zu verdichten.

Wegen meiner Gebrechen kann ich mich nicht weit von dem Ort entfernen, an dem ich lebe, und wenn man lange an einem Ort bleibt, stellt sich eine seltsame Symbiose ein. Der Wald ergreift immer mehr Besitz von mir, in mehr als einer Hinsicht. Ich träume immer wieder von ihm und den Tieren, die ihn bewohnen. Deshalb spielen sie auch eine so große Rolle in dem Buch. Wilde Tiere sind heilig! Egal, welche Art oder Größe sie haben, sie geben uns einen Einblick in die wahre Natur und den Sinn des Lebens. Ich beobachte fast täglich die Aktivität von Bussarden und Rotmilanen, und oft sehe ich nachts Spinnen, die ihre Fäden so weben, dass ihre Netze zu einem integralen Bestandteil der Installation werden, die sich über den ganzen Schuppen erstreckt. Ich nehme mir so viel Zeit wie möglich, um das Leben zu studieren, das sie hier im Dunkeln führen, und meditiere über die Geduld, die sie in ihrem Tun haben. Es gibt mir Trost zu sehen, dass nicht alle Kreaturen so ruhelos sind wie wir Menschen. Manchmal sammle ich ihre Seide, um sie um die Skulpturen zu wickeln und sie zu binden, oder um klebrige Sternenglyphen zu schaffen. Ich war schon immer von der Beziehung zwischen Spinnen und dem Universum fasziniert. Ich denke hier an Batailles Artikel über das Formlose, in dem er das Universum mit einer Spinne und Spucke vergleicht, aber auch an die magische Beziehung der Spinne zum Mond und zum Mondtau. Es ist interessant, dass die Spinne, wie der Mond, in der französischen Kultur mit dem Wahnsinn assoziiert wird. Und in den Schriften von Victor Hugo gibt es Anspielungen, die die Spinne mit der schwarzen Sonne verbinden. Faszinierendes Material, aus dem man Inspiration schöpfen kann.

Die schwarze Sonne ist ein Symbol der Initiation, das sich wie ein roter Faden durch das Buch zieht. Sie gibt dem, was sich dem Verständnis entzieht, eine Form und kann mit dem geheimen Innenleben der Materie, aber auch mit wissenschaftlichen Mysterien des Universums wie dem Großen Attraktor, sternverschlingenden schwarzen Löchern, dunkler Energie und so weiter in Verbindung gebracht werden. Aber natürlich sind auch rein mythologische oder psychologische Deutungen möglich. In jedem Fall beflügelt die schwarze Sonne die Phantasie durch die Verschmelzung von Lebens- und Todesprinzipien. Das Buch lebt von der Ansteckung, ein Bild steckt das andere an. Ich lade den Betrachter ein, sich viel Zeit zu nehmen, um das Zusammenspiel der Analogien und Assoziationen zu erkunden. Es ist eine gewisse Traumlogik im Spiel und ich hoffe, dass die Arbeit auch eine musikalische Qualität hat. Wenn man lange genug hinschaut und sich kreativ damit auseinandersetzt, beginnen die Bilder wie Noten in einer Komposition zu wirken. Man beginnt die Musik zu hören, wenn man die Lücken zwischen den einzelnen Noten überbrückt.

Gast Bouschet 30. März 2021

Quelques réflexions de base sur les images incluses dans ce livre.
[Désolé, la traduction est lourde. La langue française ne me convient pas pour exprimer mes idées.]

L’art est toujours autobiographique d’une manière ou d’une autre. Ma perspective subjective a influencé l’ensemble de mon travail, des explorations intimes des zones frontalières dans un monde obsédé par la sécurité aux installations vidéo immersives qui juxtaposent l’urbanité postmoderne aux forces de la nature. Pourtant, jamais mon travail n’a été aussi ancré dans l’expérience personnelle que dans les images suivantes, que je présente sous le titre Anarch. Il est impossible d’en parler sans préciser comment elles sont nées et dans quel état je me trouvais lorsque je les ai créées. Ce que vous découvrirez dans ce livre est le résultat de trois années de travail visant à se connecter avec la forêt des Ardennes comme un théâtre vivant, un théâtre de la cruauté, pour reprendre les mots d’Artaud. Pour aller droit au but : depuis quelque temps, je travaille du point de vue de quelqu’un qui vit avec une douleur constante. Je dois trouver des moyens d’y faire face et je ne me concentre pas sur des pratiques de guérison optimistes. Nous devons accepter le fait que tout ne peut pas être réparé. Cela est vrai à la fois au niveau individuel et au niveau universel. Nos récits culturels nous font défaut lorsqu’ils traitent la douleur et la souffrance uniquement comme des phases à surmonter.

Si je peux transformer des expériences de douleur immatérielles en objets et images puissants qui m’aident à refléter les blessures humaines et planétaires, alors j’aurai atteint mon objectif. Il est important pour moi de souligner que la détresse personnelle n’exclut pas une approche magique de la vie. Bien au contraire. La magie à laquelle je pense utilise l’intensité satanique de la douleur pour orienter la volonté vers un alignement avec les réalités de la nature. Les pratiques qui utilisent la vulnérabilité comme moyen de conjurer la force à partir de conditions profondément inconfortables et non désirées ne sont pas vraiment les bienvenues de nos jours. La société contemporaine réduit la douleur à un problème médical, et notre perspective anthropocentrique nous empêche de voir que tous les êtres souffrent et luttent pour survivre dans le monde. Dire que la douleur est naturelle et universelle, ou pire, l’écouter et y participer de manière créative, est l’un des derniers tabous de la culture occidentale. C’est peut-être lié au fait que les prétentions de l’exceptionnalisme humain ne peuvent plus être soutenues lorsque nous reconnaissons que toutes les formes de vie sont interconnectées de cette manière.

Mon travail a toujours tourné autour de deux pôles. L’un consiste à rendre visibles les connexions entre les agences humaines et non humaines, l’autre à développer des stratégies sorcières qui m’aident à échapper à l’appropriation et à la domestication institutionnelles. L’un des moyens les plus efficaces d’y parvenir est de m’éloigner des centres de contrôle urbains et de renoncer à l’attrait de la reconnaissance publique afin de trouver de nouvelles façons de vivre et d’agir dans le monde. C’est ce qui rend la sorcellerie si pertinente, elle me projette dans un au-delà anarchique où rien n’est figé. Cependant, il faut se garder de l’illusion de la rédemption. La sorcellerie ne nous sauvera pas, mais elle nous permet de prendre les choses en main. Ma pratique ne vise pas un avenir idéal, mais la survie créative dans un monde chaotique et plein de malaises. Je veux que mon art soit comme la vie elle-même : imparfait, désordonné, sale et plein d’ambiguïtés et de violence sous-jacente. Les questions qui découlent d’une telle position sont de savoir s’il existe un espoir légitime de ne pas se soumettre au système de l’art aussi longtemps que nous y sommes empêtrés. Et si la résistance créative ne se développe pas plutôt à partir de pratiques obscures et évitées qui prospèrent en dehors des circuits de visibilité.

Presque tout ce que je fais aujourd’hui est spécifique au site et a pour centre la forêt où je vis. Il y a une vieille cabane en bois où je médite chaque nuit et où je m’engage rituellement avec les bois environnants. J’ai ressenti le potentiel de magie noire de cet endroit dès que je l’ai vu. Un arbre était tombé lors d’une des nombreuses tempêtes qui ont fait rage ici ces dernières années et il s’appuie toujours dangereusement contre la cabane. À l’intérieur se trouvait un vieux générateur de courant que l’ancien propriétaire avait placé là pour l’éloigner le plus possible de la maison, car ces machines étaient sacrément bruyantes. Tout empestait les fuites de mazout et la forêt était jonchée de débris industriels rouillés. Dès le début, j’ai aimé ce morceau de terre blessée. Tirer de la force de la contradiction entre la création et la destruction m’a toujours attiré et mon appréciation de cette contradiction remonte à loin. Les paysages de ma jeunesse ont été façonnés par les mines de fer et le déclin industriel. Les tracts punk et les affiches de la Rote Armee Fraktion ont fait partie de mes premières influences esthétiques. À la fin de mon adolescence, j’étais partagé entre la contre-politique radicale et l’animisme prédateur des premiers livres de Castaneda. Un mélange assez sauvage en fait, mais des jours de jeunesse excitants pour sûr.

Au cours des dernières années, j’ai transformé la remise en un sanctuaire où je peux devenir ce que je crée et créer ce que je suis devenu. Certains des rites que j’y pratique s’inspirent de la pratique chamanique consistant à transformer le corps souffrant en un repas sacrificiel pour les démons, mais la plupart du temps, je m’emploie à activer les assemblages sculpturales que je réalise à partir de matériaux que je trouve dans la forêt. Ce qui se passe à l’intérieur des figures est au moins aussi important que leur apparence extérieure. Je travaille beaucoup avec les larves de scolytes, qui infestent et tuent en masse les épicéas dans notre région et l’année dernière, j’ai rempli des sculptures molles avec du pollen d’épicéa, qui a recouvert le sol d’un tapis jaune pendant des semaines. Ce phénomène se produit naturellement tous les trois ou quatre ans, mais les arbres le libèrent également lorsqu’ils sont exposés au stress de la sécheresse ou lorsqu’ils sentent qu’ils sont en train de mourir. Il existe un nom pour cela en allemand : Angstblüte. J’utilise aussi la digitale, ainsi que la terre des fourmilières et d’autres substances qu’il vaut mieux garder secrètes. La digitale est très toxique et peut être mortelle même en petite quantité si elle est ingérée, mais comme toujours avec les plantes pharmaconiques, il y a une forte dialectique. Les figures tirent leur pouvoir magique des matériaux organiques qui travaillent en elles, mais aussi des forces naturelles qui agissent sur elles depuis l’extérieur. Elles finiront par le restituer à la terre en se désagrégeant et en se décomposant. Même après avoir fusionné avec la forêt, la sorcellerie alchimique qui anime ces objets continue de jouer un rôle actif dans le cycle de décomposition et de régénération.

Lorsque l’on travaille en forêt toute l’année, on ne peut s’empêcher d’être parfois confronté à la destruction violente de la vie. Cela peut être dû à des causes naturelles ou à des transgressions humaines. Dans notre région, la chasse occupe une place importante et nous entendons souvent des coups de feu, même la nuit. J’ai trouvé deux carcasses de sangliers que des braconniers avaient laissées pourrir dans la forêt après avoir découpé ce qu’ils pensaient être la meilleure viande. Pendant plusieurs jours, j’ai vu des buses s’en nourrir et j’ai utilisé leurs excréments pour peindre les parties blanches des figures. Le but principal, bien sûr, n’était pas de faire de l’art pour le plaisir des yeux, mais d’absorber la force magique. Les déchets issus de la conversion de l’énergie d’un organisme puissant en un autre me semblaient particulièrement adaptés à l’élaboration de transmutations. Il y a eu beaucoup d’activité dans la forêt avant que les animaux sauvages n’emportent les parties du corps et après une semaine, presque toutes les traces de la tuerie avaient disparu. J’ai eu l’impression étrange de m’être approché dangereusement des forces de la mort, mais ces rencontres alternent toujours avec l’émergence d’une nouvelle vie dans la nature. À un moment donné, un sentiment global de fugacité se cristallise à partir de la somme de ces expériences, que j’essaie de condenser sous forme visuelle.

À cause de mes infirmités, je ne peux pas m’éloigner de l’endroit où je vis, et quand on reste longtemps au même endroit, une étrange symbiose s’installe. La forêt prend de plus en plus possession de moi, à plus d’un titre. Je ne cesse de rêver d’elle et des animaux qui l’habitent. C’est pourquoi ils jouent un si grand rôle dans le livre. Les animaux sauvages sont sacrés ! Quelle que soit leur espèce ou leur taille, ils nous donnent un aperçu de la vraie nature et du sens de la vie. J’observe l’activité des buses et des milans presque tous les jours, et souvent la nuit, je vois les araignées tisser leurs fils de telle manière que leurs toiles deviennent une partie intégrante de l’installation qui s’étend sur tout le hangar. Je prends autant de temps que possible pour étudier la vie qu’elles mènent ici dans l’obscurité et médite sur la patience qu’elles ont dans ce qu’elles font. Cela me réconforte de voir que toutes les créatures ne sont pas aussi agitées que nous, les humains. Parfois, je récupère leur soie pour l’enrouler autour des figures et les lier, ou pour créer des glyphes stellaires collants. J’ai toujours été fasciné par la relation entre les araignées et l’univers. Je pense ici à l’article de Bataille sur l’informe, dans lequel il compare l’univers à une araignée et à un crachat, mais aussi à la relation magique de l’araignée avec la lune et la rosée lunaire. Il est intéressant de noter que l’araignée, comme la lune, est associée à la folie dans la culture française. Et dans les écrits de Victor Hugo, on trouve des allusions liant l’araignée au soleil noir. Un matériau fascinant dont on peut s’inspirer.

Le soleil noir est un symbole d’initiation qui traverse le livre comme un fil conducteur. Il donne forme à ce qui défie l’entendement et peut être relié à la vie intérieure secrète de la matière, mais aussi aux mystères scientifiques de l’univers tels que le Grand Attracteur, les trous noirs dévoreurs d’étoiles, l’énergie noire, etc. Mais bien sûr, des interprétations purement mythologiques ou psychologiques sont également possibles. Dans tous les cas, le soleil noir enflamme l’imagination par la fusion des principes de vie et de mort. Le livre vit de la contagion, une image en infectant une autre. J’invite le spectateur à prendre tout son temps pour explorer l’interaction des analogies et des associations. Il y a une certaine logique du rêve en jeu et j’espère qu’il y a aussi une qualité musicale dans ce travail. Si vous regardez suffisamment longtemps et que vous vous engagez de manière créative, les images commencent à agir comme les notes d’une composition. Vous commencez à entendre la musique lorsque vous comblez les écarts entre les notes individuelles.

Gast Bouschet, 30 mars 2021.