La Biennale di Venezia
Luxembourg Pavilion, 2009

Artists: Gast Bouschet & Nadine Hilbert
Curator: Christian Mosar
Coordinator: Kevin Muhlen, Casino Luxembourg
Organiser: Casino Luxembourg, Forum d’Art Contemporain
Under the patronage of the Ministry for Culture, Higher Education and Research, Luxembourg

Soundtrack in collaboration with Y.E.R.M.O.

Länderpavillons – Luxemburg – Gast Bouschet & Nadine Hilbert – „Collision Zone“

Die barbarischen Territorien liegen am Rande Europas. Dort, wo die Nähe zu Afrika und die Angst vor Afrika am größten ist: an den Küstenstreifen entlang der Meerenge von Gibraltar. An dieser „Collision Zone“ stoßen nicht nur die Kontinentalplatten aneinander, sondern hier verläuft auch die Grenze zwischen der Europäischen Union und Afrika. Ein geografischer Raum, in dem Angst und Hoffnung, Abwehr und Schutzsuche, Feindseligkeit und Verzweiflung, Perspektivlosigkeit und Aufbruchsstimmung unversöhnlich aufeinanderprallen. Während sich die „Festung Europa“ mit einem Bollwerk aus Überwachungskameras, Hubschraubern, Schiffen und Patrouillen gegen die befürchtete Invasion aus Afrika zu schützen sucht, hat sich die Meerenge von Gibraltar in „Europas größtes Massengrab“ (Navid Kermani) verwandelt. Ausgehend von der Vermutung, dass nur jede dritte Leiche gefunden wird, sind hier seit 1993 bis zu 15000 Flüchtlinge ums Leben gekommen.

In ihrer mehrteiligen Multimedia-Installation machen Gast Bouschet & Nadine Hilbert die bedrohliche Stimmung, die eisige emotionale Kälte und die latente Gewalt dieser Konfliktzone auf unheimliche Weise spürbar. Ihre an den Randzonen der Zivilisation aufgenommenen Bilder sind in kaltes Blau getaucht: Feindselig wirkende Natur, überquellende Müllberge, lethargische Menschen, gesichtslose Wohnblöcke, Nebeldunst, Überwachungshubschrauber, Felsformationen, provisorische Schlafplätze … dazwischen Aufnahmen eines Insekts, das sich irgendwo verfangen hat und verzweifelt zu befreien versucht. Akustisch untermalt werden die Bilder von einem Soundtrack aus realen Geräuschen und verschiedenen, in Kooperation mit Y.E.R.M.O. (Yannick Franck und Xavier Dubois) entwickelten abstrakten Klangteppichen. „Unsere Arbeit reflektiert die dunkle Seite der europäischen Identität: Ihren typischen, argwöhnischen Blick auf die Eindringlinge, das Gespenst der Angst, das in dem Kopf desjenigen herum spukt, der den Reichtum hält“, kommentieren die Künstler ihre Installation. Eine beeindruckende Arbeit, die keine Flucht in Betroffenheit erlaubt, sondern ein beklemmendes Gefühl hinterlässt.

(Kunstforum – 53 Biennale Venedig)

Installation view, Luxembourg Pavilion 53rd Venice Biennale

Barbaric Territories

Collision Zone, Gast Bouschet & Nadine Hilbert’s installation for the Luxembourg Pavilion at the 2009 Venice Biennale, provides a multifaceted perspective on one of the most pressing political issues of our time. Drawing on the observation that the separation of the African and European continents is a growing source of tension, the artists directed their attention to a phenomenon which could be globally termed “the culture of separation”.

Collision Zone communicates the physical reality of this continental gap through a sequence of images recorded in geographical areas where the two worlds – a rapidly changing Africa versus an increasingly paranoid “Fortress Europe” – face each other. The focal point of this obsession is the Mediterranean, which today, as one of the world’s most closely monitored maritime spaces, acts as an “invisible wall”, or natural border, where the geological and human divide concentrates.

While investigating areas that lie at the outer limits of civilisation or communal life and beyond, Collision Zone transcends the restrictive framework of a study on cultural identity. Instead of producing a mere travelogue, the artists’ intention was to adopt a distinctly sensible approach to a complex issue. Their work is thus the result of an “assimilated” perspective rather than a simple observation or documentary recording of a topography whose description eludes traditional narratives.

Investigating the antagonisms arising from this situation, Gast Bouschet & Nadine Hilbert’s visually and acoustically immersive installation unfolds its argument on various levels. The koinos kosmos, a concept used by the science-fiction author Philip K. Dick to refer to the commonly accepted notion of “reality”, is here undermined by way of a mise en abyme which allows the gaze to refocus on the more fundamental aspects of the human condition. The artists’ perspective reaches deep beneath the surface to unearth a radical reinterpretation of the traditional concept of animism. Following this logic, Collision Zone assimilates man to nature through a series of visual and acoustic analogies, which suggest the existence of a deeper identity, rooted, as it were, between the human flesh and the mineral world. In this context the recurring image of an insect as an ambivalent metaphor posits a contiguity with nature which appears all the more threatening as most species of insects are known to display aggressive behaviour (territorial defence, predation, etc.)

The balance of power has long since shifted from zones of cohabitation to zones of collision, whose typical indistinctness, enhanced by the silence that surrounds them, affects our perception of events. On these barbaric territories – sites of individual losses and common aspirations – civilisation seems to drown in chaos, as geology itself suddenly looks threatening. One community’s aspirations cause another one’s fear, conjuring up the ghosts that haunt the Old Continent. It is the fear that paralyses the body and suspends time. Trapped in a territory of absence, roaming through wastelands, the actors in this daunting play are struggling with a hostile environment while facing a distinctly uncertain future. The fragile status quo that characterizes the condition in these zones of uncertainty is time and again threatened by violent outbursts, alternating with states of lethargy that thwart the individuals’ capacity to act. Only one thing may really be taken for granted, that is, the inevitable drift of the African continent towards the European tectonic plate caused by an irregular but sensible movement of subduction.

While drawing on “autobiographical” experiences, Collision Zone also reflects Gast Bouschet & Nadine Hilbert’s desire to emphasize the fundamental earnestness of their approach by working independently, not to say self-sufficiently. The data they collect during their trips is thus condensed in their work by means of a strategy of artistic appropriation. Their installation Collision Zone proposes a perspective that confronts us with the Other – a vision from which emerges the disquieting sense that the inorganic is all but inert.

(Christian Mosar)

Installation view, Luxembourg Pavilion 53rd Venice Biennale

Installation views, Luxembourg Pavilion 53rd Venice Biennale

Bouschet & Hilbert: Collision Zone

«Croire au monde, c’est ce qui nous manque le plus; nous avons tout à fait perdu le monde, on nous en a dépossédé. Croire au monde, c’est aussi bien susciter des événements même petits qui échappent au contrôle, ou faire naître de nouveaux espaces-temps, même de surfaces ou de volumes réduits. C’est ce que vous appelez pietas. C’est au niveau de chaque tentative que se juge la capacité de résistance ou au contraire la soumission à un contrôle. Il faut à la fois création et peuple». (1)

Véritable essai filmique, Collision Zone de Gast Bouschet & Nadine Hilbert en collaboration avec Y.E.R.M.O (Yannick Franck & Xavier Dubois) pour la création de sa bande son, représente le Grand-Duché de Luxembourg à la Ca’ del Duca, consacrée pavillon national depuis 1999, faisant assurément de ce-dernier l’un des plus pertinents que compte cette 53ème édition de la Biennale de Venise.

Tel l’évoque son intitulé, Collision Zone, filmé en vidéo aux confins de l’Europe et de l’Afrique – côtes de Sicile, détroit de Gibraltar, enclave de Ceuta, …- par ce couple d’artistes luxembourgeois volontiers nomade ayant fait de Bruxelles son point d’ancrage, livre, au sein d’un dispositif audiovisuel extrêmement maîtrisé, une expérience physique quasi essentialiste de ce schisme géographique, de sa réalité géopolitique sous tension toujours accrue et, au-delà de notre condition humaine.

Ainsi, l’installation orchestre-t-elle, en de multiples regards non dépourvus d’un certain animisme, une immersion visuelle et sonore du spectateur confronté à l’un des principaux enjeux sociopolitiques actuels : alors que le continent africain continue inexorablement sa remontée vers l’Europe, celle-ci, sous l’emprise d’une irrépressible paranoïa et sous couvert du projet S.I.V.E. (Système intégré de surveillance extérieure) ratifié par l’Union européenne, dans la droite ligne des accords de Schengen (espace européen entamant un processus de «frontièrisation» de ses limites extérieures), se mue, en son pourtour méditerranéen, en une véritable forteresse.

Il n’est d’ailleurs pas anodin, du fait de ces artistes, d’exposer Collision Zone en pavillon luxembourgeois, charriant dans son sillage les effets de décisions prises à Bruxelles et au Grand-Duché. Davantage même, cela ressortit-il d’une posture politique et engagée, la plus notoire à l’œuvre dans cette pièce qui, par-delà une réflexion sur les frontières, leur construction arbitrairement politique et le droit de tout un chacun à l’immigration, entend nous plonger au cœur d’une énergie vitale générée par notre rapport physique, symbolique et sensoriel aux forces de notre environnement naturel.

Sur fond musical très dark ambient, composition d’enregistrements de terrain et de plages musicales en un univers abstrait monochromatique, expressif et méditatif, l’installation vidéo – dispositif d’écrans et de projections en diverses salles – assume son statut, ne cachant rien de son architecture câblée allant jusqu’à parasiter sciemment l’image à l’instar, métaphoriquement parler, de la figure menaçante de l’intrus tant fantasmée par nos sociétés libérales et paranoïaques. Que l’on ne s’y méprenne toutefois pas, Collision Zone bien que reflétant «le côté sombre de l’identité européenne» pour reprendre les propos des artistes (2) n’a rien d’un film documentaire ou d’un quelconque récit de voyage. L’œuvre tiendrait plutôt de l’essai filmique en ce que ses auteurs, au-delà du propos social et géopolitique, tel le commente Christian Mosar, commissaire du pavillon, «réussissent à dégager (…) une vision plus incisive, qui s’apparente à une réinterprétation radicale du concept d’animisme» (3).

De fait, l’installation joue-t-elle avec force et poésie d’une multitude de registres – bande son, temporalités, coloration crépusculaire de l’image, tension entre visions micro et macroscopique (4), brouillage visuel – qui concourent à nous confronter, en ces territoires déshumanisés sous le joug d’un rapport de force violent et unilatéral, à ce qui nous relie profondément les uns aux autres, à notre appartenance quasi consubstantielle aux linéaments du monde naturel.

Ainsi, dans ces zones de collision sous haute tension filmées de jour en lumière artificielle leur conférant une tonalité bleuâtre (5) et onirique, sourd, comme sous l’effet cathartique d’un rituel qui condenserait nos peurs, une beauté primale, une force naturelle dont l’intensité libère, malgré la désolation et l’angoisse que génèrent ces lieux indistincts, un certain sentiment d’euphorie en lien avec les forces vives de l’univers. En un temps qui semble suspendu bien que travaillé d’imperceptibles mutations, à l’image de la lente subduction tectonique du continent noir, en ce no man’s land où la civilisation semble avoir déserté au profit des seuls avatars du contrôle et de la relégation – miradors, hélicoptères, abris de fortune à la lisière inhospitalière de cités qui le sont tout autant-, la nature menaçante, en la rudesse de ses éléments climatiques et géomorphiques, reprend ses droits, et captive le regardeur, partagé entre léthargie et surgissement de l’image, peur létale et sentiment d’élévation.

Collision Zone relève d’un processus complexe et abouti de subjectivisation de l’image enregistrée qui, loin d’un seul retour au sujet – la mutation et l’incidence de systèmes politiques et socio-économiques dans la morphologie des tissus urbains et des zones frontières-, le déploie pour y insuffler une résistance salutaire tant à l’image formatée qu’au formatage visuel et conceptuel de nos sociétés. Une éthique de la distance, la construction d’un monde.

(Christine Jamart, l’art même)

(1) Gilles Deleuze, Pourparlers, Paris, 1990. Cité in Régis Michel, L’œil-écran ou la nouvelle image. 100 vidéos pour repenser le monde, p. 216, cat. de l’exposition éponyme, Casino Luxembourg – Forum d’art contemporain, 24.03 – 17.06.07
#2) in extrait d’un entretien entre les artistes et Christian Mosar, le 12.03.09, publié dans l’édition accompagnant l’exposition: Collision Zone. Gast Bouschet and Nadine Hilbert, 2009, texte de Christian Mosar intitulé «Territoires barbares».
#3) in Christian Mosar, «Territoires barbares», idem
#4) L’insecte, symbole pour l’Afrique du voyage entre deux mondes, entre la vie et la mort, est ici récurrent
#5) Il est ici à souligner qu’une seule et même coloration des images, qui semblent ainsi captées entre nuit et jour, permet de relier, en une même atmosphère, diverses réalités. En outre, dans l’Antiquité, le bleu est associé au trouble et, par extension, à l’étranger, aux barbares. Cette coloration traduit de ce fait la prégnance d’un regard européen sur les choses. Enfin, elle induit une prise de distance avec une réalité documentaire.

Un entretien avec Gast Bouschet
Questions : Josée Hansen

d’Lëtzebuerger Land: Est-ce que Collision Zone est un projet de cinéma ou d’art ?

Gast Bouschet : Je suppose que la réception de notre travail dépend du contexte dans lequel il est montré. Quand on montre un de nos films dans une salle de cinéma (comme on l’a fait dans le contexte du festival Sonic Visions au Kinosch à Esch), les spectateurs vont associer ce travail au cinéma. Par contre, si on propose de montrer le travail à l’aide de plusieurs projecteurs, par exemple dans le cadre d’une biennale d’art contemporain, les gens vont probablement associer Collision Zone à l’art. Pour nous, cette division n’a pas vraiment de sens. On se situe de toute façon en dehors de ce qui se fait dans le cinéma ou dans l’art contemporain.
Collision Zone n’est pas vraiment une oeuvre cinématographique, il n’y a pas de narration, on ne travaille pas avec des acteurs, etc. Ce n’est pas non plus du cinéma documentaire. On se sent en général peu concerné aussi par l’art contemporain, trop autoréférentiel et obsédé par la modernité. Ce qui nous importe, c’est d’offrir au public la possibilité de vivre des expériences communes et de se positionner dans le monde.

S’agit-il d’une oeuvre politique, qui critique par exemple, les rapports Nord/Sud ?

L’oeuvre est surtout politique par ses modes de production. On travaille d’une façon très autonome. On fait pratiquement tout nous-mêmes, les prises de vue, le montage, l’installation, etc. On considère ces choix comme étant éminemment politiques et on les applique pour ne pas se faire récupérer, pour garder la puissance initiale de l’oeuvre. En ce qui concerne l’art qui se veut ouvertement politique, on pense qu’il est souvent témoin d’une grande naïveté en ce qui concerne son pouvoir d’action sur le monde politique. Donc notre travail n’est pas critique, on fait des propositions de prise de conscience de notre identité collective. À un niveau personnel, on estime que l’exclusion du continent africain est une bombe à retardement, mais on évite de véhiculer un message politique à travers notre travail. Les gens sont libres de l’interpréter comme ils veulent, ils peuvent s’identifier à ce qu’on propose comme ils peuvent s’en distancier – à eux de décider.

Vos oeuvres sont souvent très poétiques, très émouvantes aussi, on a une impression physique en les regardant – n’avez vous pas peur des effets secondaires ? Qui dépassent l’entendement intellectuel? Ou est-ce justement ce que vous recherchez…

La première approche est physique et émotionnelle, mais notre travail se construit en couches superposées. Il fait aussi référence à l’actualité politique et sociale ainsi qu’aux mythes et au sacré. C’est vrai qu’on a une approche radicalement poétique de l’existence. Notre installation pour la Biennale de Venise sera une expérience commune dont le but recherché est une intensification de la conscience. Dans ce contexte, c’est sans doute intéressant de savoir que notre travail est influencé par le mouvement Acéphale de Georges Bataille, qui consistait en une contestation de la raison et un déplacement de la pensée vers l’extase.

Quel est le rapport entre l’image et le son ?

Les sons et les images sont inextricablement liés et se contaminent mutuellement. La bande sonore a été créée en respectant le déploiement des images vidéos et en prenant en considération les particularités architecturales de la Ca’ del Duca, à savoir cinq pièces séparées de taille inégales. On a donc réalisé, en collaboration avec Y.E.R.M.O., cinq bandes sonores distinctes qui vont se superposer afin de créer un univers sonore puissant et extrêmement dense, fidèle à l’imaginaire tectonique omniprésent dans les réalisations vidéos.

Qui est Y.E.R.M.O ?

Y.E.R.M.O. est un groupe qui se situe à la frontière de la musique post-industrielle et noise. Il se compose de Yannick Franck et de Xavier Dubois, deux musiciens belges que travaillent ensemble depuis 2004. On les a contactés il y a deux ans pour leur proposer d’élaborer la bande sonore de Collision Zone avec nous, et depuis lors, notre collaboration a abouti à une performance live lors du festival Sonic Visions à la Kulturfabrik à Esch et l’élaboration de la bande sonore pour The Crossing qu’on a proposé lors de l’exposition Elo – Inner Exile Outer Limits au Mudam. Notre méthode de travail consiste en gros que Nadine et moi procurons les sons d’enregistrements de terrain que Yannick et Xavier transforment et intègrent par la suite dans leurs improvisations sonores.

Comment allez-vous essayer de capter le visiteur stressé de la Biennale, qui n’a souvent que quelques secondes par oeuvre ?

Notre installation est conçue de sorte qu’on puisse l’engager à n’importe quel moment et prendre part. Il n’y a pas de narration, ni de début ou de fin des films. L’impact est immédiat. On propose une expérience de temps condensé et les visiteurs peuvent s’attarder une heure ou seulement quelques secondes. Bien sûr, ceux qui consacrent plus de temps et de profondeur à notre installation auront accès à des couches de significations plus riches et enfouies.

La Ca’ del Duca est un lieu très défini, avec une architecture très marquante, comment faire fonctionner un film dans ce contexte ?

Notre proposition pour la Biennale de Venise ne consiste pas en un seul film, mais s’articule autour de plusieurs fragments cinématographiques diffusés en projections murales et sur écrans LCD. On est très conscient du défi que ce fractionnement implique, aussi bien au niveau visuel que sonore. Il faut essayer de tirer profit au maximum de la disposition de la Ca’ del Duca, inviter le public à circuler dans les cinq pièces et se positionner par rapport aux oeuvres. On travaille beaucoup la distance que ce positionnement implique. Une distance qui est à la fois perceptuelle, physique et émotionnelle. Ce qui nous intéresse avant tout, c’est l’expérience de l’espace qui nous sépare du monde et des autres.

Il me semble que l’attente, l’immobilisme, mais aussi une certaine crainte d’une menace indéfinie marquent vos installations, et plus particulièrement celle-ci… Pouvez-vous articuler cela ?

Oui, notre installation véhicule cette sensation d’être piégé dans le temps. De faire un éternel sur place. Ce sont des frustrations qui sont symptomatiques d’un vieil Empire. Venise est le lieu idéal pour articuler ses peurs de déclin, non pas le déclin d’une ville, mais d’un continent entier.L’Europe a peur de son avenir et surtout de ce qui vient de l’extérieur et qui pourrait déstabiliser le statu quo fragile. Les procédés qui sont mis en oeuvre pour éloigner les immigrants africains des côtes européennes témoignent qu’on est loin des anciens idéaux humanistes ou d’une société soit disant « post-raciale ». L’Europe criminalise l’immigration, on retourne à des réflexes sécuritaires moyenâgeux et on porte un regard méfiant et irrespectueux envers les Africains. Dans Collision Zone, on intègre ce regard malveillant dans notre travail. Cette méthode d’assimilation n’est pas sans risques de mécompréhension, mais je pense que c’est des risques à prendre.

Quel est le rapport entre Dreamsequence qu’on peut actuellement voir au Mudam, le film avec lequel vous avez présenté dans le cadre de Elo, l’oeuvre que vous montrez actuellement à la galerie Toxic et le travail pour Venise ?

Ce que ces travaux ont en commun est probablement une certaine vision dystopique de notre société contemporaine. Ce qui motive leur réalisation est sans doute aussi la simple volonté de poursuivre nos passions créatives, et de vivre des expériences existentielles. De sentir les forces qui animent les êtres et les choses… les tensions, la jouissance, la souffrance… aussi d’approfondir la question de savoir ce qui sépare l’organique de l’inorganique, la vie de la mort. Quand j’étais plus jeune, j’essayais à chaque fois que j’entreprenais un nouveau travail de renouveler ma façon de voir et d’imaginer le monde. Je me rends de plus en plus compte maintenant qu’on est toujours hanté par les mêmes obsessions. Ce qui me semble important à ce stade, c’est d’arriver à les canaliser avec autant de précision et d’intensité possibles.

Comment évoluent les Trustfiles, vos archives en-ligne, par rapport aux installation in situ ?

On a commencé à élaborer un nouveau site pour la Biennale de Venise qui sera connecté aux Trustfiles. Ce site aura un certain caractère informatif, mais sera aussi une oeuvre qui permette de voir en ligne nos créations réalisées dans le cadre de Collision Zone. On tient toujours beaucoup à véhiculer notre travail par le net, mais la réalisation d’un site comme les Trustfiles devient de plus en plus lourd à porter pour nous financièrement. On avait la grande chance de pouvoir travailler pendant sept ans avec un webmaster qui s’y donnait à fond, pratiquement sans être rémunéré, parce qu’il croyait fort en notre travail, qu’il aimait collaborer avec nous, mais la vie évolue, il est très occupé maintenant, il a une entreprise à gérer, il est devenu papa… Donc il faut voir comment faire avancer le site dans l’avenir. Ce ne sera pas facile.

Quel est le prochain coin du monde que vous allez exploiter ? Selon quels critères les choisissez-vous ?

Aucune idée. On est très concentré pour le moment à mener à bien nos préparations pour la Biennale de Venise. Impossible à dire ce qui va être la suite de nos aventures.

(d’Lëtzebuerger Land, Musées, 27 mars 2009, Numéro 13)

Reportage réalisé par Michel Clerbois pour Walking Voice TV

Biennale de Venise 2009
Le temps suspendu

Lorsque Gast Bouschet et Nadine Hilbert ont essayé de filmer à Ceuta, enclave espagnole au Maroc, connue, comme sa consoeur Melilla, en tant que lieu de passage privilégié des émigrants marocains, voire subsahariens, vers l’Europe, puis encerclée par de hauts murs et clôtures, les deux artistes se sont faits arrêter par la police. « On nous a interrogés, fouillés, noté notre matériel… » racontaient ils au Casino Luxembourg lors d’une conférence donnée en février 2008. « Pour eux, dit Christian Mosar, c’est essentiel de ressentir les choses, de les vivre physiquement. » Christian Mosar, commissaire du pavillon luxembourgeois à la Biennale d’art de Venise cette année, a sélectionné les deux artistes luxembourgeois qui vivent et travaillent à Bruxelles afin de représenter le grand-duché.

La conférence s’intitulait E schéine Chaos, un beau chaos, et c’est exactement cela, le thème de leur travail : ils rendent comptent du chaos sur cette planète, essayent d’enregistrer le bruit du monde, et utilisent ces images et ces sons comme matière première pour leurs oeuvres : films, installations, performances, site Internet. « Nous voulons montrer un état psychologique avec tous les moyens techniques dont nous disposons, l’avait expliqué Gast Bouschet. Et : Nous filmons toujours avec un trépied, pour que l’image soit fixe, et ce qui bouge, c’est le monde alentour… »

Ces deux dernières années, on a pu voir beaucoup de leurs oeuvres au Luxembourg : la vidéo très poétique Dreamsequence actuellement encore au Mudam, dans le cadre du Mois de la photo, ou la triple projection The Crossing, qui donnait un premier aperçu de leur projet vénitien, dans l’exposition Elo – Inner Exile, Outer Limits, toujours au Mudam, au tournant de l’année ; ils ont aussi participé aux expositions Enigma et, actuellement, Miroir Miroir à la galerie Toxic. Avec, toujours, une constante : leur travail mêle souci esthétique et message politique, « mais ‘politique’ alors non pas dans un sens d’agit-prop, ou de militance pour une tendance, juge Christian Mosar. Ils s’intéressent à la mondialisation et ses répercussions sur la condition humaine. »

Il s’agit d’une vision politique qui se développe dans les grandes agglomérations surtout, sur les continents africain ou latino-américain, où les inégalités entre dominants et dominés sont exacerbés. Et dans tous les films récents, il y a une constante : tout se passe comme si une menace planait sur l’homme et la planète, comme si la nature annonçait ou portait les traces de grandes catastrophes ou d’affrontements graves. Même un plan fixe sur le brouillard qui se lève ou un gros plan sur la feuille d’une plante peuvent devenir symboliques de cette ambiance. Afin d’avoir un contrôle total sur le résultat, les deux artistes font tout eux-mêmes (voir aussi notre entretien ci-contre) ; l’ambiance est amplifiée grâce aux field recordings et à l’emploi d’une bande sonore sophistiquée pour laquelle ils travaillent souvent avec des musiciens expérimentaux.

À Venise, Gast Bouschet (né en 1958) et Nadine Hilbert (1961), qui vivent et travaillent ensemble, vont montrer Collision Zone, une installation vidéo qui se déroulera en parallèle dans les cinq salles de la Ca’ del Duca, l’hôtel particulier que l’État luxembourgeois loue depuis une dizaine d’années pour les biennales d’art et d’architecture. Les salles du palazzo du XVe siècle, que Jill Mercedes avait baignées dans une ambiance chaude et lumineuse pour son Endless Lust en 2007, seront cette fois-ci complètement obscurcies pour une immersion visuelle totale dans les images de Collision Zone, qui sera montré en plusieurs parties montées en parallèle. Objectif : faire en sorte que les visiteurs, submergés d’images et d’impressions dans tous les pavillons nationaux et les grandes expositions thématiques, accrochent immédiatement, qu’ils aient une forte impression en très peu de temps – et qu’ils restent.

Collision Zone a été tourné à la pointe Sud de l’Espagne, près du détroit de Gibraltar, où une quinzaine de kilomètres seulement séparent le continent africain du continent européen – ces quinze kilomètres où périssent chaque année des milliers de clandestins, qui rêvaient d’une vie meilleure en Europe. Pour Gast Bouschet, la peur européenne d’une « invasion » d’immigrants africains et la « forteresse Europe » qui est construite aux abords de la Méditerranée, avec des arsenaux impressionnants de force militaire et de matériel de surveillance, est non seulement incompréhensible, mais aussi dangereuse pour l’équilibre des deux continents.

Mais Collision Zone n’est pas un documentaire sur l’espace Schengen – le fait que la « fortification » remonte aux accords signés au Luxembourg, qui assurent certes la libre circulation aux citoyens de l’Union, mais en excluent tous les autres, est un bel argument pour montrer ce film dans le pavillon grand-ducal, c’est presque subversif. On n’y suit pas les schémas traditionnels du reportage de télévision avec entretiens de concernés, politiciens et autres images floutées. Collision Zone prend ses distances, du recul, et montre des endroits délaissés, un monde qui est comme suspendu, après les affrontements, après le départ des migrants… Les images sont baignées d’un bleu très froid, des contrastes très forts, tout contribue à créer une ambiance menaçante, parfois même désolante. Gast Bouschet et Nadine Hilbert montrent aussi les infrastructures de surveillance mises en place, phares anciens et caméras contemporaines.

Reste à voir comment le public italien va réagir à Collision Zone, s’il va se sentir interpellé ou provoqué. Car l’Italie connaît une situation comparable à celle de l’Espagne : en 2008, 36 900 immigrés sont arrivés sur ses côtes, en provenance d’Afrique. Les habitants de Lampedusa, petite île à l’extrême Sud, dans l’archipel de Pélages, se révoltèrent en début d’année contre les projets du gouvernement italien de bloquer sur cette île tous les immigrants qui arrivent sur ses côtes, qui deviendrait ainsi une sorte de centre de rétention à ciel ouvert, le maire parlant même d’un « Guantànamo d’Italie » (Le Monde du 20 février 2009). Selon l’Asti, le mouvement de révolte des immigrants qu’ont connu Lampedusa et Malte en février, « s’inscrit dans un contexte d’instrumentalisation de la question migratoire par un gouvernement italien qui, depuis qu’il est au pouvoir, flatte les réflexes xénophobes d’une partie de la population pour justifier l’adoption de mesures sécuritaires. » Le travail de Gast Bouschet et de Nadine Hilbert risque donc de faire écho à Venise.

(Josée Hansen, d’Lëtzebuerger Land, Musées, 27 mars 2009, Numéro 13)

Collision Zone, catalogue pages

Collision Zone, catalogue pages

Venise : l’humain en valeur recherchée

A Venise, l’abondance nuit au discernement. A force de grossir, le Biennale in, off et collatérale devient presque indigeste si l’on ne prend pas de la distance et ne sélectionne pas. D’autant plus que le démonstratif domine. Et, autant le dire d’emblée, les perles sont vraiment rares. Daniel Birnbaum, le commissaire général, a choisi comme thème “Construire des mondes” ; il parlait sans doute au futur car dans l’expo internationale et à l’Arsenale, ce serait plutôt le fourre-tout et le chaos.

En attribuant le Lion d’or du meilleur pavillon aux Etats-Unis, qui présentent plutôt un hommage à l’ensemble de l’œuvre remarquable de Bruce Nauman qu’une nouvelle expo, et celui du meilleur artiste à Tobias Rehberger qui intervient dans la cafeteria, tout est déjà dit sur le potentiel exploité ! Finalement, ce sont des pavillons nationaux si décriés et des expos annexes qui sont les plus forts et les plus révélateurs, à quelques exceptions près. Le fait de puiser dans l’histoire, dans les archives (Cadere, Gilbert George, Gordon Matta-Clark, Palermo, Fahlström, le Gutai, Yoko Ono, Hans-Peter Feldmann) ne sauve pas une exposition internationale sans vision ; au contraire, elle s’en trouve globalement déforcée par le manque de cohérence et la faiblesse des participations plus contemporaines.

Le meilleur de la Biennale réside en quelques œuvres individuelles, parfois discrètes, qui se distinguent de l’ensemble par une conscience de l’humain qui va au-delà de l’émotif, par les notions de résistance, de respect, de valeurs vitales et de sauvegarde, en des esthétiques sans esbroufe. Elles se concentrent sur la nécessité de dire par l’image, par le son, par les matériaux, le monde dans lequel nous respirons parfois difficilement.

Des deux expos officielles, on exhumera quelques œuvres, dont un bouddha relativement discret du Tibétain Gonkar Gyatso, fin analyste du monde, ou ce Bonsai significativement monumental de Cela Floyer, le passage risqué dans les anneaux de William Forsythe, les réseaux de Moshekwa Langa, l’installation d’Adéagbo ou les canots de survie de Tamara Grcic, auxquels on associera la barque des Comores avec son container capitaliste, voire ce rêve de la maison clé sur porte à la dérive au milieu d’un bassin. Pas reluisant ce monde, par ailleurs magistralement décrit en brut par Pascale Marthine Tayou dans une relation forte à l’humain ! Et l’on remarquera que les créations les plus pertinentes ne proviennent pas souvent des nations dominantes !
Dans les pavillons nationaux aux Giardini et à l’Arsenale, on laissera de côté ceux fort attendus mais décevants de l’Allemagne (un Liam Gillick bavard) et de l’Espagne (Miquel Barcelo trop sage), le totalement désastreux italien, pour se concentrer, outre sur ceux de la Pologne et pour partie (“Rise and Fall”) de la Hollande, sur ceux, bien qu’un peu caricaturaux par la concentration mais drôles et à point dans leur dramatisation, des pays nordiques où l’on retrouve Guillaume Bijl (voir LLB 9.06.09, idem pour la Belgique), sur celui plus lourd de sens de la Hongrie portant sur l’identité corporelle humaine, des Républiques tchèques et slovaques avec l’ouverture sur les jardins naturels, du Canada avec l’installation de Mark Lewis, de l’Autriche avec le beau coup de gueule féministe (voir la vidéo) de Elke Krystufek soutenue par Valie Export et ses peintures d’hommes nus, puis cette installation du Cubain Carlos Garaicoia dans l’ensemble de l’Amérique latine : des tables de petits papiers rouges qui, découpés, se transforment en architectures. Simple, beau, efficace, intelligent. Enfin un artiste qui construit un monde !

Dans ce que l’on a pu voir en ville, on pointera Singapour, surtout le Mexique qui rend présente la violence meurtrière du pays de manière très sobre mais bouleversante et, en haut du classement, le Luxembourg avec le travail de Nadine Hilbert et Gast Bouschet (vivent à Bruxelles). Une installation vidéo impressionnante de puissance, en bleu ni nuit ni jour, sur la “borderline” entre l’Europe et l’Afrique, objet de toutes les surveillances, des contrastes et des questions humaines de l’immigration. La bande son rejoint les images dans la densité et le climat oppressant. Les œuvres à sortir du lot sont toutes en tension humaine, loin du spectaculaire.

Grâce aux initiatives collatérales publiques ou privées, dont celles de Guy Pieters, outre un Jeff Geys muséal, d’esprit vert, thérapeutique et de survie, en pavillon national et Jacques Charlier subversif en off du off, la Belgique compte sur une représentation multiple et la France peut doubler la mise. En effet, en plus de l’univers carcéral argenté – tout un symbole face au drapeau noir de l’anarchie tenue à distance – de Claude Lévêque, Bernar Venet déploie magistralement ses arcs d’acier et ses effondrements – tout aussi significatifs – dans l’Arsenale Novissimo où il ne faudra pas manquer le pavillon voisin avec les Jota Castro et autre Alfredo Jaar, auteurs déjouant les mécanismes oppresseurs de l’humain et de la pensée.

Présent aussi dans l’expo inégale Glasstress, qui a également retenu Koen Vanmechelen et où Laurence Dervaux aurait pu figurer en bonne place, Jan Fabre a transposé au Novissimo son exposition du musée de Bregenz portant sur l’homme à travers une représentation métaphorique du corps humain. Passant de la verticalité initiale à l’horizontalité, il fragmente le corps mais rejoint la position de la célèbre “Leçon d’anatomie” qu’il contrecarre par la primauté de la transmission de la vie et la volonté mentale de résistance face aux agressions meurtrières de toutes espèces. A l’instar de quelques autres plasticiens cités, il replace ainsi l’homme au centre de l’exposition et incite à l’éveil de l’esprit vigilant et critique des gens.

On reparlera de l’intéressante initiative “Cul-de-sac” de Lino Polegato qui se prolonge tout au long de l’été, on soulignera les belles présences de Pierre Clemens et de Stephane Balleux dans le projet satellite officiel “Détournement” en la Scalamata Gallery ; celle recensée par ailleurs de Wim Delvoye que l’on retrouve également dans l’hybride “Inconditional Love”.

(Claude Lorent, La Libre Belgique)

Collision Zone, catalogue pages

Routen zu den Bruchlinien der Welt – Ausgewählte Länderpavillons in Venedig

Neuerlich behalten jene Stimmen unrecht, die für eine Abschaffung der Nationenpavillons in Venedig plädieren… Während neuerdings wieder das „Göttliche“ der Kunst vereint mit Liebeserklärungen an Venedig ausgerufen wird, zeigt sich, dass gerade da wo die Länder sich um Positionierung bemühen, Diskussionen initiiert werden und eine nomadisierende Kunst Routen legt in Richtung jener neuralgischen Zonen, in denen sich gesellschaftliche und ökonomische Veränderungen ereignen. Im Kontext der ausufernde Großausstellung im Disney- und James-Bond geframten Venezia lässt sich dies an den Peripherien entdecken… Welch zentrale Rolle Identitätsfragen und nationale Symbole derzeit in der Kunst einnehmen, erweist sich im Pavillon Estlands in der Nähe des Palazzo Grassi… Eine der gegenwärtig herausragenden Arbeiten zum Themenkomplex Europa, Nation und Identität.

Auf vollkommen andere Weise beeindruckend die „Collison Zone“ der KünstlerInnen Gast Bouchet & Nadine Hilbert im Ausstellungsbereich Luxembourgs, ausgerichtet vom kuratorisch sehr pointiert arbeitenden Casino Luxembourg. Hypnotisch organisierte Bilder verschaltet mit dramatisierendem Sound in mehreren Räumen führen teils dokumentarisch, teils in der Sphäre des Fiktionalen in Zonen der Migration und des Übergangs im mediterranen Raum. Hier wie in anderen Länder- und Regionen-„Pavillons“ werden nicht „Welten gemacht“, sondern die Welt reflektiert, indem deren symbolische und realpolitische Ordnungen befragt wird.

(Roland Schöny, Artmagazine)

Collision Zone, catalogue pages

Collision Zone, catalogue pages

Le Luxembourg à Venise

La Ca’ del Duca, un petit palais niché au bout d’un dédale de ruelles à proximité du campo Santo Stefano reçoit le pavillon luxembourgeois. Nadine Hilbert (°1961) et Gast Bouschet (°1958) y ont créé un environnement total qui fait complètement oublier la topographie des lieux et met au premier plan l’humain et sa relation tout à la fois mythique, géopolitique et technologique au monde.

Dès l’entrée, un son enveloppe le spectateur – des bruits mélangés, comme lorsqu’on écoute le murmure du monde extérieur et le grondement intérieur. Dans l’espace plongé dans l’obscurité, les images sont teintées d’un bleu un peu irréel et pourtant familier. Il évoque le bleu artificiel généré pas les écrans et on ne sait pas si les images qui s’y dessinent en viennent ou si elles y retournent. Elles sont groupées, projetées sur le mur ou sur les écrans plasma. Dans chacun de leurs regroupements, des bruits identifiables – de l’eau qui coule ou suinte, un moteur continu, des activités industrielles, un orage – s’ajoutent au fond sonore. Sur les écrans, des tours de contrôle, des antennes, un hélicoptère au loin qui évoque un moustique, un insecte qui répète un mouvement minuscule sur une feuille d’arbre et inquiète. Des bâtiments semblent abandonnés le long d’une route, d’une montagne s’échappe de la brume, des cendres de déchets où ne reste qu’une petite flamme, un homme au visage couvert de terre regarde devant lui, un autre, appuyé contre un mur paraît inquiet. De l’eau, une source ou une décharge, ruisselle. Les plans son fixes, tout le mouvement se concentre dans ce qui est filmé et dans le montage.

Passer d’un groupement d’écrans à un autre revient à passer d’un élément à un autre – le feu, l’eau, la terre, l’air-, d’un état à un autre-la nature, la ville. Et partout, au centre de l’image ou en filigrane, l’être l’humain – sa force, sa fragilité, son devenir – est le critère. Il n’y a pas d’autre rapport d’échelle qu’anthropomorphique; si l’insecte semble géant, c’est qu’il est inquiétant, le paysage se rapporte au visage, l’eau qui coule vaut aussi bien pour les petits ruisseaux que pour les grandes rivières. Les assemblages d’écrans renvoient les uns aux autres multipliant les possibilités de lecture et créant la possibilité d’un regard nouveau à chaque fois.

La bande son à été créée par Y.E.R.M.O. qui rassemble deux musiciens belges, Yannick Franck et Xavier Dubois. Ils travaillent à la frontière de la musique industrielle et du noise et leur collaboration avec Gast Bouschet et Nadine Hilbert, consiste à transformer et intégrer les sons que les deux artistes leurs procurent. Les images ont été tournées près du détroit de Gibraltar et sur les côtes de la Sicile, en Méditerranée, le lieu d’un entrechoc probable entre les plaques eurasienne et africaine. ‘Collision Zone’ est une réflexion singulière sur les frontières tant physiques que fantasmées de l’Europe, un territoire tellement protégé, une véritable forteresse qui manifeste d’une forme de paranoïa collective.

L’installation se présente ainsi comme une réflexion esthétique, sociopolitique et géopolitique. La vision de ce monde (qui est aussi le nôtre) que Gast Bouschet et Nadine Hilbert proposent est résolument mytho-technologique: à une apparence de modernité s’entremêle un archaïsme profond. C’est celui de la nature humaine en proie aux forces naturelles en même temps qu’aux forces que l’homme lui-même a créées.

Les deux artistes se sentent proches de Georges Bataille et du travail qu’il a développé dans sa revue ‘Acéphale’. Dans le premier éditorial, l’écrivain français déclarait: «Il est temps d’abandonner le monde des civilisés et sa lumière. Il est trop tard pour tenir à être raisonnable et instruit – ce qui a mené à une vie sans attrait. Secrètement ou non, il est nécessaire de devenir tout autres ou de cesser d’être», quelques phrases qui résonnent singulièrement bien avec cet environnement à la fois sensible et interpellant.

(Colette Dubois, H- Art)

Collision Zone, catalogue pages

Zone bleue – l’installation Collision Zone à la Ca’ del Duca

Zone bleue, telle Nadine Hilbert et Gast Bouschet ont transformée le pavillon du Luxembourg pour cette 53ème biennale, et si le visiteur se trouve pris d’emblée dans un bleuissement qui ne le quittera plus au long de son parcours et les espaces du petit palazzo s’ouvrent et prennent de l’ampleur. Les paysages qu’il découvre à travers les images vidéo de différentes dimensions, prennent bien l’allure de zone. Mot qui dit une indétermination, Apollinaire l’a aussi utilisé jadis, mot qui évoque non moins de la misère (c’était à l’époque la bande de terrains vagues entourant les fortifications de Paris)

Dans ce travail des Bouschet et Hilbert, c’est de la frontière de la forteresse Europe qu’il s’agit, détroit de Gibraltar, côtes siciliennes. Et leur titre à eux dit une collision, l’entrechoc de plaques continentales, et au-delà, bien plus que cela, le heurt de deux mondes, avec l’attrait que l’Europe exerce sur le continent africain, ls réfugiés qui risquent leur vie. Il est de la sorte une multiplicité de visions, de lectures, au fil des salles, avec leurs images éclatées, phénomènes naturels, forces géologiques, emprises technologiques; où se glisser en tant que coléoptère? Etrange rencontre, dans une image de Wolfgang Tilmans, au pavillon des expositions, on dirait un rai de soleil qui tombe sur la mer, lors d’un ciel mouvementé; à regarder de près, c’est la lumière jetée par un hélicoptère à la recherche de bateaux illégaux.

Chez Nadine Hilbert et Gast Bouschet, le drame se trouve élargi en cinq stations, mot qui dit, lui, l’arrêt, l’observation, la souffrance.

( Lucien Kayser, d’Land)

Collision Zone, catalogue pages

Pavillons Nationaux – Impressions de la 53e Biennale Internationale de Venise

En dehors des Giardini, près du Palazzo Grassi le pavillon luxembourgeois à la Ca del Duca présente cette année sous le titre Collision Zone une installation vidéo de Nadine Hilbert et Gast Bouschet. Le nom emprunté à la géologie fait référence à la notion d’entrechoc au niveau culturel, sociologique et géopolitique. Tournés près de Gibraltar et en Sicile les vidéos parlent des limites et des frontières qu’affrontent les mutations et les migrations qui émergent des tensions et des forces entre le continent africain et européen. Les projections bleutées, orchestrées par les artistes de sorte à provoquer des moments éruptifs qui suivent des passages de profonde méditation, reprennent en partie l’esthétique des correspondances visuelles développée dans leurs vidéos précédentes. Ici la scénographie des images vidéographiques est magnifiquement adaptée à l’espace d’exposition créant une narration cyclique qui nous plonge dans une espèce de ténèbres de notre propre existence.

(Paul di Felice, Mondo arte)

La Biennale di Venezia – Best in Show

Ah the pavilions – what to do about this motley crew. All too often they are hijacked by government bureaucrats who choose curators they know will put up a safe show, unlikely to ruffle any feathers.

Still, the pavilions nonetheless offer an interesting barometer of a particular government’s attitude towards contemporary art. Some governments–Iran, USA and the UAE–came off as woefully out of touch. Feel free to disagree, but it’s doubtful that anyone goes to the Biennale to see middling sculpture and abstract calligraphy (Iran), retrospectives of modernist icons such as Bruce Nauman (USA) or architectural models of a country’s cultural projects (UAE pavilion). This is not the World’s Fair. Venice should be a space to show off one’s most provocative artists – artists digging deep into the issues of their country and artists pushing the boundaries of their form… There were number of knockout pavilions hidden within the labyrinths of Venice – with the Mexican pavilion pulling the most deadly punches…

Though certainly not as visceral, the Luxembourg offering entitled “Collision Zone” was also quite dark in tone. The installation by Gast Bouschet and Nadine Hilbert featured videos of zones of urban decay and the humans that inhabit them, exploring the idea of Europe as a fortress. All scenes were shot at nighttime and took advantage of the mauve-blue cast that comes from that spectrum of light. Images of garbage cans and crumbling buildings are cut in with shots of satellites, boats and surveillance and geological imagery of mountains, caves dripping water and an insect caught in a web. The collection of images creates a sense of cold marginalization. The urban footage, though it looks like it could have been taken in south central LA, in fact comes from Catania and the drip, drip, drip of the cave water reflects the calculated trickle of immigration into the EU. The geological imagery (steam rising out of valleys) is a reference to the bumping up of the two continents a battle that goes far beyond tectonic plates…

(Rebecca Catching)

Pavillon luxembourgeois: Collision Zone de Gast Bouschet et Nadine Hilbert – Une installation percutante

Dans Collision Zone, les deux luxembourgeois posent, avec une rare pertinence, la question majeure des rapports entre l’Europe et l’Afrique. Leur installation, répartie en cinq vidéos de tonalité bleue qui ‘déréalisent’ les images et leur donne plus de force esthétique, passe en boucles dans cinq lieux communicants. Et une musique bâtie à partir de sons réels et retravaillée avec intensité par Yannick Franck et Xavier Dubois, porte à ébullition cette réflexion esthétique et politique sur l’immigration. Nous avons filmé surtout, nous explique Gast Bouschet, la Sicile, les alentours du Vésuve et le détroit de Gibraltar. L’Italie et l’Espagne sont les deux lieux de passage obligés de l’immigration clandestine. Nous y avons ajouté quelques images représentant des travailleurs africains dans leur lieu de travail ou leur habitat. Mais pas de commentaire ni d’interview, pas de documentaire donc, mais une réflexion poétique sur un thème politique urgent. Les brumes de l’Etna nous rappellent la longue durée, l’existence de plaques tectoniques entre l’Europe et l’Afrique, qui rapprochent les deux continents imperceptiblement. Mais sur le plan humain, on ne peut nier les problèmes actuels et les peurs réciproques, qui ne partent pas, qui renaissent sans cesse d’où l’utilité d’une installation en boucle. Une grande oeuvre qui sera vue à Luxembourg, fin novembre avec musique live à la petite salle de la Philharmonie Luxembourg.

(Christian Jade, La voix)

Collision Zone, catalogue pages

Engaging audiences at La Biennale de Venecia

The Luxembourg Pavilion’s exhibition Collision Zone presents the collaborative work of Gast Bouschet and Nadine Hilbert. This complex and compelling installation features a series of video and photographic imagery shot near the Strait of Gibraltar and the shores of Sicily. Traveling through the various screening galleries of the installation the viewer is confronted with geologic imagery in both its violent and sublime forms juxtaposed against the harsh lives of individuals living along the African and European continental borders. Bouschet and Hilbert’s visually challenging work forces the viewer to reflect on socio-political concerns, the clashing of continents and individuals, human rights and the universal right to immigration.

(Brayham Contemporary)

Biënnale Venetië stelt teleur

Als je na het zoveelste bruggetje-op-bruggetje-af en steegje-door-en-pleintje-over in Venetië weer een fraaie woning bent binnengestapt en wederom wordt geconfronteerd met zalen vol films, dan zakt de moed je een beetje in de schoenen.

Maar dat is hier anders. De Luxemburgse ruimte maakt goed, heel veel goed wat de dagen voorheen helemaal mis dreigde te gaan…

… En dan de Luxemburgse inzending: een van de lichtpunten van deze Biënnale. Gast Bouschet & Nadine Hilbert hebben de begane grond van een huis compleet zwart geschilderd en er een indrukwekkende film- en geluidsruimte van gemaakt. Vijf films laten ze er zien, in steeds andere kamers. Die tonen stukken architectuur, een vliegende helicopter, stukken landschap en een torretje dat zijn weg uit een grot naar boven zoekt: alles overgoten met een blauwe toon die alles in een nachtmerrie lijkt te veranderen. En steeds is er dat ijzingwekkende, dreigende geluid van die helicopter. Beeldend zit deze presentatie ongelooflijk knap in elkaar. Qua verhaal wordt een en ander pas duidelijk nadat je werkelijk de tijd hebt genomen om goed te kijken; dan worden de betekenislagen helder. Dit gaat over grenzen, grenzenloosheid ook en over de onmogelijkheid voor sommigen om dat ooit te bereiken. Prachtig werk, dus.

(Rob Schoonen, ED / NL Cultuur)

Dans le Pavillon polonais des Giardini, Krzysztof Wodiczko s’empare du thème des immigrés dans une projection pas uniquement vidéo, qui joue sur le réel et l’irréel… Même finesse, sur un thème proche, dans l’installation du Pavillon Luxembourgeois, à la Ca’ del Duca, sur le Grand Canal. Gast Bouschet et Nadine Hilbert y proposent une installation vidéo, dans cinq petits espaces, à partir d’un voyage en Sicile, au bord de l’Etna et sur le détroit de Gibraltar : les points stratégiques de l’immigration africaine eu Europe. Mais la nature volcanique de la Méditerranée prouve aussi que l’Afrique et l’Europe vivent sur des plaques tectoniques, qui les rapprochent petit à petit. Double symbolique et double temporalité, habilement mêlées et jamais platement démonstratives. On y voit des ouvriers africains pris dans leur travail et des insectes englués dans des toiles ou luttant contre la force de l’eau. La symbolique est multiple, les temporalités aussi et la couleur bleue globale «déréalise» l’ensemble, lui enlevant toute forme «documentaire» Le mélange de bruits naturels pris «in situ» et musicalement retravaillés par Yannick Franck et Xavier Dubois intensifie le tout. Dès la fin de la Biennale, fin novembre, la petite salle expérimentale du Grand Théâtre de Luxembourg reprendra ce petit chef d’œuvre avec musique live.

(rtbf, Biennale de Venise 2009: coups de coeur)

Collision Zone, catalogue pages

Dans les années 1990, Nadine Hilbert et Gast Bouschet se sont associés pour développer un monde visuel à partir de la photographie pour aboutir au travail actuel qui relie images fixes et images en mouvement. Dans le cadre de la 53e édition de la Biennale de Venise, les artistes présenteront une installation intitulée Collision Zone au centre de laquelle une suite d’images vidéo tournées près du détroit de Gibraltar et sur les côtes de Sicile forment une réflexion à plusieurs niveaux, tant esthétiques que sociopolitiques. Le titre de leur travail signifie ici bien plus qu’un entrechoc de plaques continentales, bien que, à un degré différent, l’imagerie géologique soit omniprésente dans leur travail cinématographique. Nadine Hilbert et Gast Bouschet se sont rendus aux frontières de l’Europe, plus particulièrement sur des sites où l’Europe est en passe de devenir un des territoires les mieux protégés au monde. Ces frontières définies comme la forteresse de l’Europe, Frantz Fanon en avait déjà pressenti, en 1961, la froideur et la cruauté, dans sa réalité physique. 1

Collision Zone devient l’image d’une rupture entre deux mondes, le continent africain et l’Union européenne. Dans cette parabole, l’élégance esthétique des images et du son devient victime d’une subduction noire et menaçante qui constitue l’ambiance particulière des travaux récents du couple d’artistes. En résulte des archives d’images filmées et de sons enregistrés sur place. Ces documents sont à la base d’un travail de montage filmique et d’association d’idées qui prolongent le concept de Collision Zone à la sphère éminemment politique de la question du droit à l’immigration. 2

Au-delà de cette immanence tragique, une dimension supplémentaire dans leur travail relève du monde mytho-technologique, tel que J.G. Ballard l’avait illustré dans son roman Crash ! en 1974. 3 Les films de Nadine Hilbert et Gast Bouschet mélangent modernité apparente et archaïsme profond.

(Christian Mosar)

1 « L’Europe a pris la direction du monde avec ardeur, cynisme et violence. Et voyez combien l’ombre de ses monuments s’étend et se multiplie. Chaque mouvement de l’Europe a fait craquer les limites de l’espace et celles de la pensée. L’Europe s’est refusée à toute humilité, à toute modestie, mais aussi à toute sollicitude, à toute tendresse. » Frantz Fanon, Les damnés de la terre, François Maspero Éditeur, 1981.

2 La bande sonore de l’installation mélange enregistrements de terrain et plages musicales développés en collaboration avec Y.E.R.M.O. (Yannick Franck, Xavier Dubois). Y.E.R.M.O. crée un univers sonore abstrait aux tonalités monochromes. Favorisant une multitude des sources et de processus, Y.E.R.M.O. construit des environnements sonores expressifs et méditatifs.

3 « La science et la technologie prolifèrent autour de nous, au point de nous dicter notre langage. Nous avons le choix : utiliser ce langage ou demeurer muets. Par un paradoxe non dénué d’ironie, la science-fiction et devenue la première victime de ce monde qu’elle a contribué à créer. L’avenir envisagé par les auteurs des années 40 et 50 est devenu notre passé. Les images dominantes, non seulement celles du premier pas sur la Lune ou du premier vol interplanétaire, mais aussi celles de rapports sociaux et de structures politiques en mutation dans un univers dominé par la technologie, ressemblent aujourd’hui à de gigantesques éléments de décor, mis au rancart dans une coulisse obscure. » J.G. Ballard, Crash !, 1974. Extrait de la préface à l’édition française